Archives par mot-clé : Villeurbanne

Le flamenco de Santiago Serrano

En 2009, dans le cadre de ses collectes autour des musiques migrantes de Villeurbanne, le CMTRA a rencontré Santiago Serrano guitariste flamenco. Accompagné de sa guitare, il livrera plusieurs compás de flamenco dont une bulería et une rumba chantée.

 bulería :

Santiago a grandi en région stéphanoise. Ses parents originaires d’Andalousie sont arrivés en France durant la vague massive d’immigration espagnole des années 60. Présente depuis le 19ième siècle, cette communauté représente la première nationalité étrangère en France à la veille de la décennie 70, comptant pas moins de 607 000 personnes. Si de nombreux immigrés ont fait le choix de retrouver leur terre natale à la chute du franquisme et une fois la situation économique ravivée, une part de cette population s’est définitivement établie sur le sol d’adoption (en particulier au sein des banlieues des grands bassins industrialisés français) et a grandement contribué à y rendre vivace une culture singulière devenue aujourd’hui familière à de nombreux français.1

Lorsque son père l’emmène pour la première fois à un concert de musique andalouse, Santiago est âgé d’une dizaine d’années et vit cette première approche du flamenco comme une véritable révélation. A Saint Étienne, il n’a pas les moyens de se former correctement à la pratique. Si à Lyon, nombreuses associations donnent très tôt des cours de musiques et danses espagnoles, les stéphanois n’en bénéficient pas encore dans les années 80. Pour pouvoir se révéler, Santiago doit attendre d’avoir quinze ans, alors employé dans un restaurant espagnol dans lequel il anime des soirées musicales, il rencontre de nombreux artistes de flamenco et de rumba. Il continue ensuite sa formation en Espagne, en participant à de nombreux festivals d’été en Andalousie, où il côtoie artistes reconnus, débutants ou amateurs. Cette expérience itinérante constitue sa véritable école. De retour en France, il tourne avec de nombreux musiciens, refuse de s’inscrire dans un groupe unique préférant toujours rester ouvert aux propositions. Ce choix lui permet une grande liberté dans sa pratique musicale et une vaste connaissance du réseau de flamenquistes en France.

Rumba : 

Santiago a ainsi été bercé par deux cultures très différentes : parlant espagnol couramment chez lui, se sentant très intégré dans la société française. Au sein des foyers immigrés espagnols, notamment andalous, la culture espagnole est restée très vivante, du moins pour la deuxième génération, alors que la troisième s’en est progressivement écartée. Néanmoins, cette présence culturelle est toujours visible et se joue désormais sur d’autres terrains que celui de l’intimité des familles. L’intérêt du public pour des groupes très populaires au répertoire festif gitan sud-européen, tels que les Gispy Kings, a contribué à donner une vitrine à la musique espagnole. Parmi ce vaste répertoire national, la musique flamenca, certainement plus difficile d’accès car très éloignée de la culture française, a mis plus de temps à se faire entendre auprès d’un large public. Les associations communautaires, nombreuses en France, ont permis de donner à cette musique originaire du sud de l’Espagne, une plus grande visibilité, à travers notamment l’organisation d’évènements festifs dans des restaurants et des bars fréquentés par des publics d’horizons variés, également par le biais d’un important travail de formations ouvertes. Les penas, et Juergas Flamencas, fêtes aux contours informels, ont permis à de nombreux musiciens, dont Santiago, de se réunir pour faire résonner cette pratique dans les villes, autrement qu’au sein de leur seule communauté ou famille.

Le flamenco est particulièrement présent à l’esprit des andalous puisque partie intégrante d’une vie sociale et collective, symbole d’une autonomie culturelle. De ce fait il constitue un indicateur identitaire régional très fort au sein même du territoire national espagnol. Santiago éprouve une grande satisfaction  à voir aujourd’hui ses parents s’ouvrir et chanter le flamenco. Avant que leur fils ne le pratique ils ne l’exprimaient guère, par manque certainement de possibilités de le partager, le partage étant l’essence même de cette musique. Santiago considère qu’en chaque andalou réside le flamenco. Effectivement cette musique admet bien d’autres dimensions que celle uniquement folklorique que lui assigne l’ouverture touristique internationale parfois trop réductrice. Plus qu’une pratique musicale, le flamenco a été construit comme un art populaire de vivre ensemble, une recherche de liberté, une philosophie d’existence, une affirmation du modèle “d’être andalous”. Il est admis aujourd’hui que la recherche par le public de l’authenticité de la pratique flamenca, de sa composante identitaire et communautaire, se joue plus sur des terrains étrangers qu’au sein même du territoire espagnol. A l’extérieur, et notamment en France, se développe une nouvelle écoute très exigeante du flamenco. Les penas contribuent notamment à faire perdurer cette âme du flamenco, de toujours l’appréhender sous sa forme la plus authentique.2

1 Les informations historiques sont issues de ce dossier publié par le Musée de l’Histoire de l’Immigration. 

2 Pour plus d’informations concernant la dimension identitaire du flamenco, notamment en France, consultez cet article de Frédéric Deval (1989)

Pour aller plus loin…
> Rencontre avec un autre musicien de flamenco à Villeurbanne : Christian Gonzalez
> La rumba de Miguel Ney, guitariste et chanteur villeurbannais
> Une collecte réalisée par le CMTRA auprès d’Angel Lopez autour des danses flamenco
> Toujours sur le thème de la danse : la rencontre avec Vanessa Amaya
> L’entretien avec Marie-Jo Padilla, membre de l’association Casa Cultural de Murcia (association de la communauté espagnole locale)
> L’entretien autour de la transmission du Flamenco avec les sœurs Orozco-Arraez / Une autre enquête réalisée auprès des deux sœurs / Une de leur répétition à l’école de Flamenco La Fragua à Villeurbanne
> Les enregistrements de Juergas Flamencas : la première / la deuxième

Visuel : Les arabesques andalouses de l’Alhambra (Espagne) 

Les territoires d’un djembefola

Rencontre avec Florent Marciau, djembefola
Villeurbanne, février 2016

Florent Marciau est  djembefola, “joueur de djembé”. Nous l’avons rencontré en février 2016 alors que nous préparions l’Escale Sonore consacrée aux “adoptions musicales“, c’est à dire aux trajectoires d’immersion, de conversion à des expressions culturelles qui, a priori, seraient étrangères au terreau natal des musiciens qui les pratiquent. Comme d’autres musiciens rencontrés à l’occasion de la réalisation du documentaire sonore associé à la thématique de cette Escale, Florent incarne de façon riche et singulière ces vies de musiciens qui se retrouvent à jouer un rôle de canal culturel entre deux mondes. Un pied en Rhône-Alpes, un autre au Burkina Faso et en Côte d’Ivoire, Florent compose depuis près de vingt ans une vie artistique soucieuse de comprendre de l’intérieur cette musique mandingue qui le passionne depuis l’adolescence, tout en cherchant à l’adapter aux scènes, aux publics, aux danses et aux pédagogies qui sont ceux de son territoire natal et quotidien.

C’est à 16 ans que Florent tombe en amour pour le djembé. Il s’est alors déjà essayé à la batterie, mais ne se retrouve pas dans les modalités pédagogiques relativement classiques de son école de musique communale. Encouragé par sa mère, il part très jeune vers Ouagadougou pour faire l’apprentissage, sur place, de l’art du djembefola dans son contexte culturel, festif, familial quotidien. Depuis lors, il ne cessera les allers et retours entre sa terre de naissance et sa terre d’adoption, d’abord au Burkina, puis en Côte d’Ivoire où il rencontre celui qui allait devenir son maître, guide et ami, Abou Bakar Bamba. 

Dans ce parcours fait de hasards, de rencontres déterminantes, de ténacité et d’humilité, au moins trois moments clefs se dégagent : son tout premier atterrissage à Ouagadougou bien sûr, où il est accueilli par une famille de griots habitués à dispenser des cours de djembé à de jeunes stagiaires français comme lui. Mais aussi et peut-être surtout son premier voyage en Côte d’Ivoire, en 2002, qui le conduit dans des territoires plus ruraux où il découvre les musiques de ce vaste et poreux monde mandingue dans leur contexte quotidien d’expression. C’est lors de ce séjour qu’il commence à pratiquer le djembé non plus comme un instrument se suffisant à lui-même, mais dans son rôle d’accompagnateur du griot, des danseuses et danseurs. C’est également à ce tournant de sa vie de musicien qu’il prend la mesure de l’amplitude du monde musical mandingue qui de la Guinée à la Gambie en passant par le Mali, la Côte d’Ivoire et le Sénégal, admet des singularités à des niveaux ultra localisés. D’un village à l’autre, les rythmes “traditionnels” attendus par les danseurs et le griot peuvent largement différer. Troisième moment, son mariage : sur l’invitation d’Abou et de sa famille, Florent et sa femme Heloïse se marient chez eux, en Côte d’Ivoire, en participant aux rites d’union traditionnels de Bouaké.

Alors, djembefola de Côte d’Ivoire ? De Romans-sur-Isère ? D’entre deux rives ?  Florent se définit comme un djembefola français. Ce rôle, il ne pense pas pouvoir, ni même vouloir, le jouer en Afrique, où une connaissance ample et fine des répertoires traditionnels des différents territoires de l’aire mandingue serait incontournable, et rendue possible par des séjours de plusieurs années sur place. Mais la question ne se pose même pas en ces termes pour Florent : son métier est celui de la transmission d’un savoir qu’on lui a offert et dans lequel il s’est immergé, au Burkina Faso, en Côte d’Ivoire, à Annecy, à Villeurbanne… Un métier qu’il exerce dans le cadre d’une association basée à Romans-sur-Isère et à Valence, qu’il a créée avec sa femme Héloïse, elle-même danseuse formée en Côte d’Ivoire. Dans les récits de Florent, la question de son territoire musical dilue les binarités de l’ici et de l’ailleurs, mais parle de dynamiques, de flux, d’échanges, de vases communicants.

Une fluidité que l’on retrouve dans son aisance à naviguer entre chant, instruments percussifs et instrument harmonique, ici : le N’goni.

Pour aller plus loin…
>
Les projets de recherche et de valorisation patrimoniale menés par le CMTRA à Villeurbanne nous ont permis la rencontre d’autres musiciens griots du Burkina, ou du Sénégal tels qu’Adama Dembele, Ibrahima Cissokho ou Moussa Fayé. N’hésitez pas à les écouter!
> Lire l’article du percussionniste suisse romand Vincent Zanetti sur “La nécessaire reconnaissance des milieux traditionnels dans l’apprentissage des percussions ouest-africaines”, paru dans l’ouvrage dirigé par Laurent Aubert, Musiques Migrantes, dont nous reparlerons dans ce carnet.

Visuel : “Do you speak Djembé?”

 

“Arriba en la cordillera”

Arriba en la cordillera, composée par Patricio Manns et interprétée par Jorge Diaz (guitare) et Juan-Carlos Caroca (chant) lors d’une rencontre avec le CMTRA, enregistrée à Villeurbanne le 23 mars 2010.

L’auteur, Patricio Manns, chanteur-compositeur populaire et également poète-écrivain de renom, est considéré comme l’un des portes-paroles de la résistance chilienne au régime dictatorial d’Augusto Pinochet, depuis le coup d’État de 1973. Après avoir vécu en Patagonie, au Sud du Chili, où il a vu son père se faire assassiner par la police locale, Patricio Manns se réfugie dans la musique. Réfugié, il l’est également par l’exil qu’il a vécu lorsque, contraint très tôt de fuir la guerre civile, il fait escale à Cuba, puis en France, pour finalement s’installer en Suisse.  Malgré cette distance avec son pays d’origine, les chansons qu’il composera durant cette période résonneront jusque sur le sol chilien et dans le cœur de nombreux combattants et exilés, parmi lesquels Jorge Diaz et Juan-Carlos Caroca. Ce dernier se souvient de sa rencontre précieuse et émouvante avec Patricio Manns, ce jour là il chantait ensemble, à Genève.

Arriba en la cordillera – consulter les paroles originales

La souffrance que suscite l’exil, Jorge et Juan-Carlos l’ont tout deux vécue de façon très différente. Ils se retrouvent cependant pleinement dans une expression musicale qui fait revivre, depuis le sol villeurbannais, leurs engagements politiques ainsi qu’une culture chilienne qui ne les a jamais quittés. A eux-deux ils forment le groupe “Pueblo Latino” au sein duquel ils offrent un répertoire sud-américain interprété au chant, à la guitare, aux flûtes et aux percussions.

Avec beaucoup de poids dans mon cœur, j’ai quitté mon pays. […] Ma façon à moi de retrouver les miens, c’était la musique” Juan-Carlos Caroca. 

Juan-Carlos est le premier à avoir dû fuir le Chili, dès l’instauration de la dictature en 1974. En passant par la Cordillère des Andes il a rejoint l’Argentine. Deux ans plus tard, il s’installe à Lyon et rencontre beaucoup de chiliens, “tous indirectement camarades de cette mauvaise histoire”. Depuis, il n’est jamais retourné dans son pays natal. Juan-Carlos est flûtiste, percussionniste, chanteur, et a étépendant plusieurs années, président d’une association folklorique chilienne à Lyon.

“On est bien loin de chez soi, mais on est nulle part. C’est tant mieux car on a la planète entière.” Jorge Diaz. 

Jorge Diaz a quitté son pays natal plus tard et a donc connu la dictature et la guerre civile, pendant laquelle il a combattu activement.  Il s’estime aujourd’hui particulièrement chanceux d’avoir survécu à cet épisode et admet qu’il existe différentes manières de vivre l’exil. Lui, ne dit pas souffrir du poids de la culpabilité que peuvent ressentir certains autres exilés ayant combattu : “J’ai perdu la guerre, mais c’est tout“. Et la résistance continue, à travers la musique qu’il considère comme une arme de revendication et de mémoire puissante..

CONSULTEZ L’ENREGISTREMENT COMPLET 

Pour aller plus loin…
>Jorge Diaz fait le récit de son parcours et chante accompagné de sa guitare au cours de deux enquêtes réalisées en 2010 : 1e enquête / 2e enquête.
>
L’article du Rize consacré à Jorge Diaz et au groupe Pueblo Latino.

Visuel: Jorge Diaz et Juan-Carlos Caroca forment le groupe Pueblo Latino. Photo publiée par Le Rize dans le cadre de l’exposition “Musiques!” co-réalisée en 2010 avec le CMTRA

le duduk arménien

Première résolution de l’année 2016 : ne pas laisser passer plus d’une semaine sans aller à la pêche aux archives sonores, à mesure que notre base de données régionale dédiée au patrimoine oral se remplit (plus d’infos par ici et par là).

L’ARCHIVE DE LA SEMAINE
Rencontre avec Levon Chatikyan, dudukiste arménien

En écho à l’Escale Sonore sur les “Arménie(s) musicales” organisée en partenariat avec le Rize le 3 décembre dernier, nous vous proposons cette semaine de prêter l’oreille au duduk de Levon Chatikyan, né à Achtarak et habitant aujourd’hui à Villeurbanne. Le CMTRA l’a rencontré dans le cadre des collectes consacrées aux “Musiques migrantes de Villeurbanne”. Dans cet extrait, il interprète un extrait des “Larmes de la Mère Arax”, un morceau récent (le compositeur serait africain) évoquant le fleuve Araxe, aujourd’hui mitoyen de la Turquie, l’Arménie et l’Iran, et par là-même faisant référence à l’histoire conflictuelle et douloureuse des frontières de l’état arménien.

Le duduk est un instrument à vent à anche double ou simple, généralement fabriqué dans du bois d’abricotier. Il est le premier instrument de musique à avoir été reconnu par l’Unesco “chef d’œuvre du patrimoine oral et immatériel de l’Humanité”, en 2005. Cette reconnaissance faisait suite au constat émis par les experts consultés pour cette candidature selon lequel le duduk serait pour les musiciens arméniens l’instrument dont le son représenterait le mieux la chaleur, l’espoir mais aussi la tristesse de leur culture. Ce projet de patrimonialisation avait alors pour but de “sauvegarder la musique traditionnelle pour duduk dans le contexte social, culturel et politique moderne difficile de l’Arménie” (voir résumé du projet).

Important territoire d’exil pour la population arménienne rescapée du génocide de 1915 et les générations suivantes, l’agglomération lyonnaise compte plusieurs Maisons Culturelles Arméniennes, ensembles instrumentaux ou vocaux participant à transmettre la connaissance et la pratique de cet instrument. Levon Chatikyan est professeur de musique au conservatoire du Pays de Romans, Valence (26000). Il enseigne également le duduk à la Maison de la Culture Arménienne de Villeurbanne (69100). Il participe notamment aux représentations de mariage, les anniversaire, les soirées et les fêtes, à l’occasion d’un deuil etc. La rencontre a eu lieu pendant un atelier pédagogique à la MCA de Villeurbanne (69100), l’extrait ci-dessus proposant un extrait de l’interprétation d’un air traditionnel à deux voix.

Consulter ici l’enregistrement complet de la rencontre avec Levon Chatikyan.

Et pour aller plus loin…
> Écoutez le documentaire sonore sur les “Arménie(s) musicales” réalisé par Olivier Minot et le CMTRA en novembre 2015.
> Écoutez la rencontre avec Haïg Sarikouyoumdjian, joueur et luthier de duduk habitant à Bron (son site personnel)
> Consultez le livret du CD “Benik Abovian et Zaven Azibekian, musiciens traditionnels du Tavush”, paru en 2002 au label Inédit / Maison des cultures du monde.

“Des mondes d’amour en musique”

coeur-seulLe jeudi 16 Juillet 2015 a eu lieu la seconde Escale Sonore de l’année, autour du couple “Amour et Musiques”.  Des habitants-musiciens de Villeurbanne et la Chorale Intergalactique coordonnée par le CMTRA nous ont fait voyager à travers une myriade de façons de dire, chanter, jouer et orchestrer les élans de chairs et d’âmes suivant les territoires et les cultures.

Ces rendez-vous trimestriels proposés par le CMTRA et le Rize – Centre Mémoires et Sociétés,  sont nés en 2013 et proposent aux musiciens, étudiants, curieux et passionnés des soirées de découverte d’un répertoire ou d’une thématique originale explorant les patrimoines musicaux des habitants de Villeurbanne. Ces soirées sont ponctuées d’ateliers de transmission, de moments d’écoute collective d’un documentaire sonore, de rencontres avec les musiciens et de concerts.

La soirée “Des mondes d’amour en musiques” a ainsi accompagné la sortie de résidence artistique de la compagnie de théâtre Anda Jaleo, qui pendant son année passée au Rize avait décidé de “mettre de l’amour plein la ville“.

L’écoute collective de “Mère_émoi”, un magnifique documentaire sonore de Péroline Barbet,  compagne de longue route du CMTRA, ainsi que les échanges qui ont suivi avec le public nous l’ont bien montré : l’amour peut être un immense terrain d’exploration ethnomusicologique. En attendant la publication dans ces pages d’un petit dossier documentaire à l’issue de cette escale amoureuse, nous vous invitons à lire ce très riche article de l’anthropologue Carmen Bernand : “Le coeur brisé et les larmes noires. Survol sur l’amour en musique”, consultable en ligne sur le site ethnographique.org.

Plus largement, sur la thématique “Musiques et émotions”, ne pas manquer les écrits de la philosophe Sandrine Darsel. L’ntroduction de son ouvrage De la musique aux émotions : Une exploration philosophique paru aux Presses Universtitaires de Rennes en 2009 est consultable ici.