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Ce que l’école fait aux chansons

Rentrée des classes oblige, nos pérégrinations dans les fonds d’archives sonores publiés sur le portail régional du patrimoine oral reprennent à la recherche de quelques évocations sonores des liens entre l’école et les musiques et danses traditionnelles et populaires.

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S’il est bien un lieu où l’on chante et danse, c’est à l’école. Les salles de classes et les cours de récréations font ainsi partie de ces lieux qui impriment durablement des souvenirs sonores : chacun garde en mémoire que les moulins tournent et tournent, que les mains tapent et tapent et que les petits poissons nagent aussi bien que les gros.

Si l’on chante tant à l’école, c’est notamment parce que les enseignants mobilisent beaucoup chansons et comptines à des fins pédagogiques : jeux de doigts pour apprendre à compter, chansons d’énumération pour connaître les différentes parties du corps ou encore la comptine de l’alphabet, dont nous gardons tous un souvenir depuis les cours d’anglais au collège, et qui est également chantée en français depuis longtemps dans les écoles, comme le suggère cette enquête des années 1960 en Ardèche.

Sur le portail régional du patrimoine oral cependant, les quelques mentions de chansons apprises à l’école évoquent des usages quelque peu différents de la chanson par l’institution scolaire. Les lecteurs assidus de ce carnet se souviennent d’un billet sur la Chanson de Roland, chantée par Germaine Panel au micro de Jacques Bardot en 1984 et qu’elle disait avoir appris à l’école, à Veranne dans la Loire.

Chanson de Roland, chantée par Germaine Panel – voir la notice complète ici

Cette chanson a été écrite à la fin du XIXe siècle par Maurice Bouchor sur une mélodie traditionnelle basque recueillie et arrangée par l’ethnomusicologue Julien Tiersot, et a été publiée dans un ouvrage en trois volumes intitulé Chants populaires pour les écoles. Au delà de la dimension historique du texte, toute relative, il faut surtout voir dans cette chanson une exaltation du sentiment patriotique, dans le contexte revanchard du dernier tiers du XIXe siècle. En effet, comme le note l‘historienne Isabelle Poutrin :

« La Chanson de Roland […] fut introduite dans les programmes scolaires dans les années 1880-1882, quand Jules Ferry instaura en France l’école primaire gratuite, obligatoire et laïque. On voyait alors dans ce poème épique du début du XIIe siècle, en ces années qui suivaient la défaite de 1871 infligée par l’Allemagne, matière à l’exaltation patriotique de la « douce France », expression récurrente dans la Chanson de Roland.  « 

Plus généralement, la collection des Chants populaires pour les écoles est à rapprocher, dans son contenu, du Tour de France par deux enfants, qui fut utilisé jusque dans les années 1950 comme manuel de lecture dans toutes les écoles françaises. Dans sa première édition de 1877, le voyage de deux orphelins alsaciens à travers le Pays y servait de prétexte à une exaltation de la mère patrie face à l’envahisseur prussien, notamment par une description romantique des différentes régions du pays. Dans le premier volume des Chants populaires pour les écoles, l’on trouvait ainsi, entre la Chanson pour l’Alsace et le Chant du Glaive, une Chanson des Alpes, des Pyrénées, Provençale ou encore une Chanson Flamande.

Toujours dans les années 1980, Jacques Bardot avait enregistré une autre « chanson d’école », qui résonne fortement avec cette histoire. Il s’agit de la Strasbourgeoise, chantée par une femme de Pélussin (Loire) en 1980 :

« La strasbourgeoise », interprète inconnue – voir la notice complète ici

Cette chanson, qui met en scène une alsacienne orpheline face à des soldats allemands, s’achève sur ce vers (non chantée dans cette version) :

Vous avez eu l’Alsace et la Lorraine,

Vous avez eu des millions d’étrangers,

Vous avez eu Germanie et Bohème,

Mais mon p’tit cœur vous ne l’aurez jamais,

Mais mon p’tit cœur lui restera français  !

Au delà de la dimension pédagogique, ou même ouvertement idéologique des chants qui résonnent ou résonnaient dans les écoles, ces derniers assurent une fonction sociale primordiale :  ils constituent un patrimoine culturel commun à des générations d’enfants. Jorge Diaz, musicien Villeurbannais né au Chili témoignait ainsi au micro du CMTRA de l’importance de l’école comme lieu où se diffuse un patrimoine musical ou chorégraphique commun :

Témoignage de Jorge Diaz sur l’apprentissage des musiques et danses traditionnelles au Chili – voir la notice complète ici

Enfin, si l’on s’est surtout centré ici sur les chansons destinées aux enfants, et écrites par des adultes, il ne faudrait pas oublier tous les jeux chantés et autres comptines précédant le jeu (« pic nic douille c’est toi l’andouille ») qui résonnent dans les cours de récréation et appartiennent, ceux-ci, strictement aux enfants.

Pour en savoir + :

Crédit photo : Pixabay – Freephotos

 

Le fonds « Confréries alimentaires de l’Ain »

Au début des années 1990, la ferme bressane des Planons a été rachetée par le département de l’Ain et sa conversion en musée départemental est entamée. Parmi les axes thématiques de ce futur Musée de la Bresse, l’alimentation occupe une place centrale autour du parcours permanent en construction « En Bresse, du terroir à l’assiette ». C’est dans ce contexte qu’Isabelle Chavanon, jeune ethnologue, est missionnée par la Direction des Musées départementaux de l’Ain (DMDA) pour conduire une enquête sur les confréries alimentaires et bachiques du territoire.

En 2017, les musées de l’Ain ont confié le traitement documentaire des entretiens réalisés par Isabelle Chavanon. Une vingtaine d’heures est disponible sur le portail rhônalpin du patrimoine oral.

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Pendant trois mois, à l’hiver 1991-1992, Isabelle Chavanon rencontre une vingtaine de membres des principales confréries alimentaires du département, assiste aux intronisations, aux repas et aux cérémonies officielles, et collecte des objets pour le futur Musée de la Bresse.

De cette enquête résulte un fonds d’archives sonores constitué d’une vingtaine d’entretiens ethnologiques, qui abordent de nombreux aspects de l’activité des confréries du département. Les éléments les plus caractéristiques de ce type d’associations – le rituel, les costumes, les titres – sont bien sûr au centre des entretiens, qui entrent en résonance avec les nombreux objets collectés : médailles, diplômes, discours d’intronisation et autres hymnes. Mais sont également abordés les formes de sociabilités à l’œuvre, le recrutement des membres, les valeurs et les conceptions du territoire, du patrimoine et de la gastronomie défendues individuellement et collectivement par les confrères.

Commentaires sur la culture du maïs en Bresse, par un membre de la confrérie des Amis Bressans – voir la notice complète ici

Ce corpus sonore, qui a servi de base à une publication et a alimenté le parcours de l’exposition permanente du Musée de la Bresse sur le thème de l’alimentation, dresse ainsi un tableau fin et nuancé des confréries alimentaires et bachiques du département.

Entre la vitalité et le prestige de certaines organisations, comme la confrérie des Poulardiers de Bresse ou celle du Taste-Fromage de France, et les difficultés de renouvellement de sociétés en pertes de vitesse telles l’Académie Granet apparaissent des situations très diverses. Ce corpus laisse entrevoir un tissu associatif singulier, souvent assez conservateur, composé de notables locaux attachés au patrimoine et à l’identité régionale, à ce que les acteurs nomment volontiers le « terroir ». Ces enquêtes disent également des choses importantes sur la construction des identités régionales, avec la gastronomie comme marqueur identitaire fort. Enfin, l’on peut également lire en filigrane une certaine manière de faire de l’ethnologie dans les musées, à l’aube des années 1990.

Près de 30 ans plus tard, ce tissu associatif est toujours vivace. Plusieurs confréries de l’Ain se sont associées à des associations d’Auvergne-Rhône-Alpes pour constituer une « ambassade des confréries de la région », intégrant leur action souvent très locale et liée au « terroir » dans une entité territoriale et politique bien plus large. Aujourd’hui, la direction des Musées départementaux de l’Ain se lance dans un large chantier de redécouverte et de re-documentation de ses collections, sonores notamment.  En 2017, la direction du Musée départementaux de l’Ain a ainsi confié au Centre des Musiques Traditionnelles Rhône-Alpes (CMTRA) le traitement documentaire du fonds et sa mise en ligne. Il est désormais possible de consulter les notices documentaires et d’écouter les enregistrements sur le portail régional du patrimoine oral. Parallèlement, la DMDA a constitué un fonds de ressources documentaires autour des confréries gourmandes du département, constitué de films, photographies et autres dossiers documentaires, consultables sur rendez-vous au Centre de ressources documentaires des musées de l’Ain à Bourg-en-Bresse.

Pour aller + loin :

Crédits photos : Intronisation des Poulardiers de Bresse – Direction des musées départementaux de l’Ain.

Le fonds Jean Blanchard

Cette semaine,  un nouveau venu sur le portail régional du patrimoine oral est à l’honneur :  le fonds de collectage de Jean Blanchard, musicien, co-fondateur du CMTRA et collecteur des musiques traditionnelles dans les années 1970.

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Jean Blanchard est né dans le Berry, dans la région de Bourges. À partir de la fin des années 1950, alors qu’il n’a que 6 ou 7 ans, il fréquente deux groupes folkloriques berrichons : « Notre Berry » et les « Thiaulins de Lignières ». Il y découvre les danses et musiques traditionnelles du Berry, mais aussi le collectage des musiques et traditions populaires, en accompagnant des membres des groupes folkloriques lors d’enquêtes de terrain.

Les premières collectes

À l’été 1969, âgé de 21 ans et étudiant à l’INSA de Lyon, il emprunte un enregistreur Uher et s’inscrit dans un stage franco-québecois de collecte. Il s’envole pour le Québec en compagnie de la fine fleur du mouvement folk parisien, qui allait fonder quelques mois plus tard le Folk club Le Bourdon : John Wright, Jean-François Dutertre, Catherine Pernier, Jean Loup Bally… Au Québec, Jean Blanchard réalise ses premières collectes, rencontre musiciens et chanteurs et assiste à des veillées. Il y découvre également les Archives de Folklore et d’Ethnologie de l’Université Laval qui, depuis 1944 conservent d’importantes collections sonores sur les traditions orales du Canada francophone.

À bien des égards, ce stage de collectage est fondateur. Cette première expérience de terrain, ainsi que sa rencontre avec les piliers du mouvement folk parisien structure sa démarche de musicien et de collecteur dans les années suivantes. 

La rencontre avec Julien Chastagnol

C’est en Corrèze, où il travaille à son retour du Québec, qu’il se livre à ses premières collectes de musique en France.

« Le juif errant », par Julien Chastagnol – Voir la notice complète ici

Par l’intermédiaire d’étudiants corréziens, avec lesquels il joue à Egletons, il mène ses premières enquêtes sur le plateau de Millevaches. Il y fait notamment la rencontre du violoneux Julien Chastagnol, rencontre déterminante qu’il a décrit dans l’ouvrage d’Olivier Durif Le violon populaire en Massif Central :

« La rencontre, décisive pour moi par la suite, est un électrochoc pour un collecteur nourri aux mythes de l’époque folk flamboyante. Un homme chaleureux qui mène sa propre enquête sur moi pendant que je crois mener la mienne sur lui, un regard malicieux et amusé par la situation, des anecdotes à n’en plus finir, un cantou majestueux, une famille qui écoute le père jouer et raconter. Et un jeu de violon riche, très orné, beaucoup plus construit que ce que j’ai entendu lors des rencontres précédentes. Et un répertoire dont l’originalité frappe l’oreille, avec des standards, mais avec des versions d’une modalité marquée, et des mélodies étranges. Tous ces ingrédients suffisent pour me persuader que je suis en présence du dépositaire d’une tradition riche et forte. Et je m’applique alors à reproduire sur mon violon les mélodies enregistrées, inlassablement. » (pages 11-12)

De retour à Lyon, faisant écouter ses enregistrements, Jean Blanchard suscite des vocations de collecteurs dans le Limousin : Olivier Durif, Christian Oller ou encore John Wright iront fréquemment visiter Julien Chastagnol jusqu’à sa mort en 1978.

Pendant les années 1970, parallèlement à son activité de musicien professionnel, Jean Blanchard poursuit son travail de collectage. Il retourne bien sûr dans le Limousin, mais explore également d’autres terrains d’enquête : le Berry, dont il est originaire, le Morvan, mais également les Combrailles, région du Nord-Ouest du Massif-Central à cheval sur le Puy-de-Dôme et l’Allier. Il s’y rend une première fois au début des années 1970 avec son ami Pierre Imbert, vielleux de l’équipe lyonnaise, et se lie d’amitié avec Patrick Greuzat, antiquaire à Pionsat qui allait être pendant plusieurs années leur porte d’entrée vers les musiciens de la région, et participerait à de nombreuses collectes.

À la fin des années 1970, pris par ses activités musicales, Jean Blanchard se détourne détourne quelque peu du collectage. Au CMTRA, dans les années 1980 et 1990 au CMTRA, il s’occupe plus des ateliers de transmission que des chantiers de recherche, dont Eric Montbel a la charge.

Son activité de collecteur est ainsi relativement restreinte dans le temps, de 1970 à 1977. Par là, le fonds qu’il a déposé au CMTRA est très caractéristique de l’histoire singulière de ces musiciens-chercheurs qui ont initié le mouvement revivaliste dans les années 1970.  Le caractère collectif de la démarche est particulièrement remarquable : d’abord, Jean Blanchard n’est jamais seul lors de ces enquêtes, d’autres musiciens-collecteurs l’accompagnent invariablement : Christian Oller, Pierre Imbert, Olivier Durif, Jacques Boisset… Dans la structure du fonds se lisent également les échanges qui animent cette petite communauté : les bandes s’échangent et se copient, à l’instar de la veillée publique à Servant, enregistrée par Frédéric Paris et qui trouve naturellement sa place dans le fonds Jean Blanchard.

Enfin, la démarche musicienne est omniprésente. Outre le fait que les collecteurs ne se rendaient chez les musiciens démunis de leurs instruments (à la fois laissez-passer et outil de l’échange), de larges pans des entretiens sont occupés par des discussions sur la pratique, le jeu, les techniques, ou encore la lutherie. C’est bien d’abord comme élève que Jean Blanchard et ses acolytes abordaient les rencontres avec les musiciens traditionnels qu’ils enquêtaient dans les années 1970.

En savoir plus :

Crédit photo : Jean Blanchard

Petit précis sonore de lutherie printanière

Ah, le printemps… Les oiseaux qui chantent, les bourgeons qui éclosent, les balades en forêt… Si au détour de vos excursions printanières, vous croisez saules, châtaigner ou autre noisetier, nous invitons à lire ce qui suit, pour mieux apprécier le potentiel musical de ces essences.

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Le portail régional du patrimoine oral regorge de ressources diverses et variées : chansons et airs instrumentaux bien sûr, contes, légendes, anecdotes, mais aussi des recettes de cuisine ou des savoir-faire luthiers. Une fois n’est pas coutume, l’archive de cette semaine vous apprend comment fabriquer une flûte à partir d’une écorce de saule.

En 1992, le collecteur Sylvestre Ducaroy est à Bézy, dans l’Ain en compagnie de deux musiciens : Gaston Mettret et d’Aymé Pommateau. Cette enquête donne à entendre de nombreux airs traditionnels à l’accordéon et des témoignages précieux sur l’implantation de l’accordéon en Bresse ainsi que sur le répertoire joué. Aymé Pommateau (que l’on peut entendre chanter par ici ou jouer de la vielle à roue par là) livre alors un témoignage singulier. Il décrit les étapes de fabrication d’une flûte à partir de l’écorce d’une branche de saule :

Description de la fabrication de flûtes en saule – voir la notice complète ici

La marche à suivre est assez simple. Il suffit en premier lieu de se munir d’un bon couteau, et de trouver un saule. Il faut néanmoins être très attentif à la saison : en effet, l’opération ne peut être réalisée qu’au printemps, quand les arbres sont « en sève » , c’est à dire que la sève remonte après le sommeil des mois d’hiver. Le printemps est donc la période idéale, et il est encore temps d’expérimenter cette technique dans les bois.

Une fois le tronçon de la branche coupé, Aymé Pommateau conseille ensuite de frapper tout le tour de l’écorce avec le manche de son couteau, « pas trop fort » , pour la décoller du bois. Il faut ensuite retirer l’écorce en un seul morceau, tailler un petit bout du bois en biseau avant de l’insérer de nouveau dans l’écorce, et le tour est joué (si c’est encore un peu obscur, voyez les différentes étapes illustrées par ici) !

L’instrument ainsi obtenu, somme toute assez rustique, tient finalement plus du sifflet que de la flûte : aucun trou ou système de piston ne permet de moduler le son produit. Dans la suite de l’extrait, Aymé Pommateau évoque cependant d’autres versions plus sophistiquées :

« Il y en a qui faisaient des flûtes : on déroule la peau [l’écorce], et on pique des épines pour la tenir. Au bout, on mettait un « pingnion », comme une anche de clarinette » .

Cette description, un peu mystérieuse de prime abord, semble recouper une technique également utilisée au Auvergne, et sur laquelle l’Agence des Musiques et Territoires d’Auvergne (AMTA) avait produit ce petit film :

Fabrication d’une trompe d’écorce en châtaignier – AMTA

Ces petits instruments de musique rudimentaires, souvent fabriqués par les enfants, sont vraisemblablement très anciens. Dans une version commentée de l’Histoire naturelle de Pline publiée en 1773, l’on notait ainsi à propos de la technique de greffe dite « en flûte » :

« C’est ce qu’on appelle greffer en flûte, parce que cette opération ressemble à ce que font les enfants lorsqu’au temps de la sève ils détachent l’écorce d’une branche pour en faire une flûte ».

Loin d’être anecdotique, cet extrait est révélateur des pratiques d’entretien de ces musiciens collecteurs qui ont enquêté les musiques traditionnelles dans les années 1970 et 1980. Sylvestre Ducaroy comme bien d’autres, collectait tant le répertoire et les techniques de jeu que les habitudes d’accordage des instruments ou encore les savoir-faire luthier…

En conclusion, nous ne pouvons que vous inviter à vous munir de votre plus beau couteau et à vous diriger vers l’arbre le plus proche pour expérimenter ces techniques. Et si vous êtes coincés en ville et que ni saule, ni châtaigner ne daigne pointer le bout de son nez, pourquoi ne pas aller au plus vite chez votre primeur et tenter la fabrication d’un hautbois-courgette-poivron ou d’un violon-poireau…

Vienna’s Vegetable Orchestra – CBS News

Aller + loin :

Crédits photo : Foto-rabe / Pixabay

Le mariage malheureux

À l’automne dernier, nous animions un atelier d’écriture à l’Université de Saint-Étienne, dans le cours de méthodologie d’Anne Damon-Guillot « Sources orales et archives sonores ». Une petite dizaine d’étudiants en ethnomusicologie s’est ainsi plongée dans les fonds sonores en ligne sur le portail rhônalpin du patrimoine oral, et s’est prêtée au jeu de l’Archive de la semaine. Leurs billets, qui proposent un point de vue singulier sur les collections sonores du réseau régional dédié aux archives sonores, viendront enrichir ce carnet de recherche tout au long de l’année. Commençons dès maintenant avec l’archive de la semaine proposée par Lila Jeunet, qui s’est penchée sur un thème bien connu des ethnomusicologues du domaine français, le mariage malheureux.

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L’amour est un thème omniprésent dans la musique. Il a suscité un répertoire extrêmement vaste depuis des siècles qui s’exprime à travers de multiples textes, poèmes, lieder, et sérénades. Au Moyen-Âge, les troubadours composent des chansons amoureuses destinées à des dames inaccessibles de hauts lignages ; Wagner s’illustre à l’opéra en contant l’amour si fort qui unit Tristan et Iseult ; la Symphonie fantastique de Berlioz révèle, à travers le monde des rêves, un amour qui tourne au cauchemar ; Serge Gainsbourg dépeint des amours perdues, compliquées. L’amour est partout et est ancré dans nos traditions et nos chansons. Cet amour n’est toutefois jamais facile, et n’est pas toujours associé au bonheur. En effet, l’amour est enfant de bohème, et n’a jamais connu de loi… Et nombreuses sont les chansons qui font référence aux mariages malheureux ! Dans la culture populaire notamment, les histoires d’amour peuvent être tristes, lamentables, catastrophiques, voire funestes !

Au sein de la partie du fonds Charles Joisten en ligne sur le portail rhônalpin du patrimoine oral, composée d’enquêtes réalisées en Isère et en Savoie entre 1957 et 1976, Marcelle Sage et Alexandrine Gaillard, dite tante Sandrine, nous fredonnent quelques-unes de ces histoires qui finissent mal… en général.

« On voulait s’marier tous les deux afin d’pouvoir s’aimer à notre aise », chantée par Alexandrine Gaillard, dite Tante Sandrine – voir la notice complète ici

Souvent, si l’amour est malheureux, c’est une question d’argent. Tante Sandrine introduit ici un thème récurrent de ce type de chansons : le trousseau de mariage. Pour pouvoir épouser son Blaise, la prétendante doit amener au ménage « six pair’ de bas, trois ch’mis’ en fil, quatre en coton, quatorz’ mouchoirs, un jupon blanc, d’la fleur’ d’orang’ ». De nombreuses chansons sur ce thème chantent avec humour la distance sociale, la dureté des stratégies matrimoniales et les arrangements matériels et financiers entre familles.

« La triste noce », par Marcelle Sage – voir la notice complète ici

Si la jeune fille de la chanson précédente a réussi  à rassembler son trousseau, et épouser son Blaise, les répertoires populaires sont également remplis de « tristes noces », telles que celles chantées par Marcel Sage au micro de Charles Joisten en 1976. Dans cette chanson, les amoureux ne viennent pas du même milieu, et les parents ne veulent pas marier leur fille à un pauvre homme et inversement. La femme que l’homme épouse dans cette chanson est certes moins belle, mais plus riche…

Ces ritournelles comprennent rarement un refrain et s’articulent surtout autour d’une histoire, à l’aide d’une mélodie simple et répétitive. Elles se ressemblent d’ailleurs beaucoup au fil des chansons, d’abord ascendantes, les mélodies ornementent, puis elles redescendent à la fin de la phrase. En ce qui concerne la structure narrative, les paroles prennent souvent la forme d’un dialogue entre deux amants, deux amoureux ou deux prétendants. Les parents, et notamment les pères, font souvent parti de l’histoire, jouant un rôle décisif dans le choix du mari. Mais parfois ce ne sont pas les pères qui sont durs, mais les femmes…

« Le mal marié », chanté par Marcelle Sage – voir la notice complète ici

Si la noce advient, c’est parfois la vie conjugale qui est malheureuse. Ici, le thème du mari brimé par sa femme (que l’on retrouve sous une autre forme avec le thème de « La femme qui boit ») livre tout son potentiel comique. Triste fin pour ce marié qui s’étouffe avec les os que sa femme lui donne à manger.

« Amant, amant que vous m’ennuyez », par Alexandrine Gaillard, dite tante Sandrine – voir la notice complète ici

Enfin, dans ce dernier extrait chanté par tante Sandrine, c’est l’amant qui, bagarreur, provoque la dispute… On note dans toutes ces chansons un fort ancrage dans une société traditionnelle et rurale. Les références à la religion catholique (le curé, les noces, le dimanche, l’église) ou au travaux agricoles se retrouvent ainsi dans la plupart de ces chansons. Cependant ces mélodies et ces textes parlent à toutes les générations car malgré un paysage différent, le fond – l’amour – est toujours présent et les problématiques liées à celui-ci sont et resteront sans doute toujours d’actualité.

Lila Jeunet

 Pour aller plus loin…

Crédits photos :  Ministère des solidarités et de la santé