Archives de catégorie : L’ARCHIVE DE LA SEMAINE

Le fonds Jean Blanchard

Cette semaine,  un nouveau venu sur le portail régional du patrimoine oral est à l’honneur :  le fonds de collectage de Jean Blanchard, musicien, co-fondateur du CMTRA et collecteur des musiques traditionnelles dans les années 1970.

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Jean Blanchard est né dans le Berry, dans la région de Bourges. À partir de la fin des années 1950, alors qu’il n’a que 6 ou 7 ans, il fréquente deux groupes folkloriques berrichons : « Notre Berry » et les « Thiaulins de Lignières ». Il y découvre les danses et musiques traditionnelles du Berry, mais aussi le collectage des musiques et traditions populaires, en accompagnant des membres des groupes folkloriques lors d’enquêtes de terrain.

Les premières collectes

À l’été 1969, âgé de 21 ans et étudiant à l’INSA de Lyon, il emprunte un enregistreur Uher et s’inscrit dans un stage franco-québecois de collecte. Il s’envole pour le Québec en compagnie de la fine fleur du mouvement folk parisien, qui allait fonder quelques mois plus tard le Folk club Le Bourdon : John Wright, Jean-François Dutertre, Catherine Pernier, Jean Loup Bally… Au Québec, Jean Blanchard réalise ses premières collectes, rencontre musiciens et chanteurs et assiste à des veillées. Il y découvre également les Archives de Folklore et d’Ethnologie de l’Université Laval qui, depuis 1944 conservent d’importantes collections sonores sur les traditions orales du Canada francophone.

À bien des égards, ce stage de collectage est fondateur. Cette première expérience de terrain, ainsi que sa rencontre avec les piliers du mouvement folk parisien structure sa démarche de musicien et de collecteur dans les années suivantes. 

La rencontre avec Julien Chastagnol

C’est en Corrèze, où il travaille à son retour du Québec, qu’il se livre à ses premières collectes de musique en France.

« Le juif errant », par Julien Chastagnol – Voir la notice complète ici

Par l’intermédiaire d’étudiants corréziens, avec lesquels il joue à Egletons, il mène ses premières enquêtes sur le plateau de Millevaches. Il y fait notamment la rencontre du violoneux Julien Chastagnol, rencontre déterminante qu’il a décrit dans l’ouvrage d’Olivier Durif Le violon populaire en Massif Central :

« La rencontre, décisive pour moi par la suite, est un électrochoc pour un collecteur nourri aux mythes de l’époque folk flamboyante. Un homme chaleureux qui mène sa propre enquête sur moi pendant que je crois mener la mienne sur lui, un regard malicieux et amusé par la situation, des anecdotes à n’en plus finir, un cantou majestueux, une famille qui écoute le père jouer et raconter. Et un jeu de violon riche, très orné, beaucoup plus construit que ce que j’ai entendu lors des rencontres précédentes. Et un répertoire dont l’originalité frappe l’oreille, avec des standards, mais avec des versions d’une modalité marquée, et des mélodies étranges. Tous ces ingrédients suffisent pour me persuader que je suis en présence du dépositaire d’une tradition riche et forte. Et je m’applique alors à reproduire sur mon violon les mélodies enregistrées, inlassablement. » (pages 11-12)

De retour à Lyon, faisant écouter ses enregistrements, Jean Blanchard suscite des vocations de collecteurs dans le Limousin : Olivier Durif, Christian Oller ou encore John Wright iront fréquemment visiter Julien Chastagnol jusqu’à sa mort en 1978.

Pendant les années 1970, parallèlement à son activité de musicien professionnel, Jean Blanchard poursuit son travail de collectage. Il retourne bien sûr dans le Limousin, mais explore également d’autres terrains d’enquête : le Berry, dont il est originaire, le Morvan, mais également les Combrailles, région du Nord-Ouest du Massif-Central à cheval sur le Puy-de-Dôme et l’Allier. Il s’y rend une première fois au début des années 1970 avec son ami Pierre Imbert, vielleux de l’équipe lyonnaise, et se lie d’amitié avec Patrick Greuzat, antiquaire à Pionsat qui allait être pendant plusieurs années leur porte d’entrée vers les musiciens de la région, et participerait à de nombreuses collectes.

À la fin des années 1970, pris par ses activités musicales, Jean Blanchard se détourne détourne quelque peu du collectage. Au CMTRA, dans les années 1980 et 1990 au CMTRA, il s’occupe plus des ateliers de transmission que des chantiers de recherche, dont Eric Montbel a la charge.

Son activité de collecteur est ainsi relativement restreinte dans le temps, de 1970 à 1977. Par là, le fonds qu’il a déposé au CMTRA est très caractéristique de l’histoire singulière de ces musiciens-chercheurs qui ont initié le mouvement revivaliste dans les années 1970.  Le caractère collectif de la démarche est particulièrement remarquable : d’abord, Jean Blanchard n’est jamais seul lors de ces enquêtes, d’autres musiciens-collecteurs l’accompagnent invariablement : Christian Oller, Pierre Imbert, Olivier Durif, Jacques Boisset… Dans la structure du fonds se lisent également les échanges qui animent cette petite communauté : les bandes s’échangent et se copient, à l’instar de la veillée publique à Servant, enregistrée par Frédéric Paris et qui trouve naturellement sa place dans le fonds Jean Blanchard.

Enfin, la démarche musicienne est omniprésente. Outre le fait que les collecteurs ne se rendaient chez les musiciens démunis de leurs instruments (à la fois laissez-passer et outil de l’échange), de larges pans des entretiens sont occupés par des discussions sur la pratique, le jeu, les techniques, ou encore la lutherie. C’est bien d’abord comme élève que Jean Blanchard et ses acolytes abordaient les rencontres avec les musiciens traditionnels qu’ils enquêtaient dans les années 1970.

En savoir plus :

Crédit photo : Jean Blanchard

Petit précis sonore de lutherie printanière

Ah, le printemps… Les oiseaux qui chantent, les bourgeons qui éclosent, les balades en forêt… Si au détour de vos excursions printanières, vous croisez saules, châtaigner ou autre noisetier, nous invitons à lire ce qui suit, pour mieux apprécier le potentiel musical de ces essences.

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Le portail régional du patrimoine oral regorge de ressources diverses et variées : chansons et airs instrumentaux bien sûr, contes, légendes, anecdotes, mais aussi des recettes de cuisine ou des savoir-faire luthiers. Une fois n’est pas coutume, l’archive de cette semaine vous apprend comment fabriquer une flûte à partir d’une écorce de saule.

En 1992, le collecteur Sylvestre Ducaroy est à Bézy, dans l’Ain en compagnie de deux musiciens : Gaston Mettret et d’Aymé Pommateau. Cette enquête donne à entendre de nombreux airs traditionnels à l’accordéon et des témoignages précieux sur l’implantation de l’accordéon en Bresse ainsi que sur le répertoire joué. Aymé Pommateau (que l’on peut entendre chanter par ici ou jouer de la vielle à roue par là) livre alors un témoignage singulier. Il décrit les étapes de fabrication d’une flûte à partir de l’écorce d’une branche de saule :

Description de la fabrication de flûtes en saule – voir la notice complète ici

La marche à suivre est assez simple. Il suffit en premier lieu de se munir d’un bon couteau, et de trouver un saule. Il faut néanmoins être très attentif à la saison : en effet, l’opération ne peut être réalisée qu’au printemps, quand les arbres sont « en sève » , c’est à dire que la sève remonte après le sommeil des mois d’hiver. Le printemps est donc la période idéale, et il est encore temps d’expérimenter cette technique dans les bois.

Une fois le tronçon de la branche coupé, Aymé Pommateau conseille ensuite de frapper tout le tour de l’écorce avec le manche de son couteau, « pas trop fort » , pour la décoller du bois. Il faut ensuite retirer l’écorce en un seul morceau, tailler un petit bout du bois en biseau avant de l’insérer de nouveau dans l’écorce, et le tour est joué (si c’est encore un peu obscur, voyez les différentes étapes illustrées par ici) !

L’instrument ainsi obtenu, somme toute assez rustique, tient finalement plus du sifflet que de la flûte : aucun trou ou système de piston ne permet de moduler le son produit. Dans la suite de l’extrait, Aymé Pommateau évoque cependant d’autres versions plus sophistiquées :

« Il y en a qui faisaient des flûtes : on déroule la peau [l’écorce], et on pique des épines pour la tenir. Au bout, on mettait un « pingnion », comme une anche de clarinette » .

Cette description, un peu mystérieuse de prime abord, semble recouper une technique également utilisée au Auvergne, et sur laquelle l’Agence des Musiques et Territoires d’Auvergne (AMTA) avait produit ce petit film :

Fabrication d’une trompe d’écorce en châtaignier – AMTA

Ces petits instruments de musique rudimentaires, souvent fabriqués par les enfants, sont vraisemblablement très anciens. Dans une version commentée de l’Histoire naturelle de Pline publiée en 1773, l’on notait ainsi à propos de la technique de greffe dite « en flûte » :

« C’est ce qu’on appelle greffer en flûte, parce que cette opération ressemble à ce que font les enfants lorsqu’au temps de la sève ils détachent l’écorce d’une branche pour en faire une flûte ».

Loin d’être anecdotique, cet extrait est révélateur des pratiques d’entretien de ces musiciens collecteurs qui ont enquêté les musiques traditionnelles dans les années 1970 et 1980. Sylvestre Ducaroy comme bien d’autres, collectait tant le répertoire et les techniques de jeu que les habitudes d’accordage des instruments ou encore les savoir-faire luthier…

En conclusion, nous ne pouvons que vous inviter à vous munir de votre plus beau couteau et à vous diriger vers l’arbre le plus proche pour expérimenter ces techniques. Et si vous êtes coincés en ville et que ni saule, ni châtaigner ne daigne pointer le bout de son nez, pourquoi ne pas aller au plus vite chez votre primeur et tenter la fabrication d’un hautbois-courgette-poivron ou d’un violon-poireau…

Vienna’s Vegetable Orchestra – CBS News

Aller + loin :

Crédits photo : Foto-rabe / Pixabay

Le mariage malheureux

À l’automne dernier, nous animions un atelier d’écriture à l’Université de Saint-Étienne, dans le cours de méthodologie d’Anne Damon-Guillot « Sources orales et archives sonores ». Une petite dizaine d’étudiants en ethnomusicologie s’est ainsi plongée dans les fonds sonores en ligne sur le portail rhônalpin du patrimoine oral, et s’est prêtée au jeu de l’Archive de la semaine. Leurs billets, qui proposent un point de vue singulier sur les collections sonores du réseau régional dédié aux archives sonores, viendront enrichir ce carnet de recherche tout au long de l’année. Commençons dès maintenant avec l’archive de la semaine proposée par Lila Jeunet, qui s’est penchée sur un thème bien connu des ethnomusicologues du domaine français, le mariage malheureux.

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L’amour est un thème omniprésent dans la musique. Il a suscité un répertoire extrêmement vaste depuis des siècles qui s’exprime à travers de multiples textes, poèmes, lieder, et sérénades. Au Moyen-Âge, les troubadours composent des chansons amoureuses destinées à des dames inaccessibles de hauts lignages ; Wagner s’illustre à l’opéra en contant l’amour si fort qui unit Tristan et Iseult ; la Symphonie fantastique de Berlioz révèle, à travers le monde des rêves, un amour qui tourne au cauchemar ; Serge Gainsbourg dépeint des amours perdues, compliquées. L’amour est partout et est ancré dans nos traditions et nos chansons. Cet amour n’est toutefois jamais facile, et n’est pas toujours associé au bonheur. En effet, l’amour est enfant de bohème, et n’a jamais connu de loi… Et nombreuses sont les chansons qui font référence aux mariages malheureux ! Dans la culture populaire notamment, les histoires d’amour peuvent être tristes, lamentables, catastrophiques, voire funestes !

Au sein de la partie du fonds Charles Joisten en ligne sur le portail rhônalpin du patrimoine oral, composée d’enquêtes réalisées en Isère et en Savoie entre 1957 et 1976, Marcelle Sage et Alexandrine Gaillard, dite tante Sandrine, nous fredonnent quelques-unes de ces histoires qui finissent mal… en général.

« On voulait s’marier tous les deux afin d’pouvoir s’aimer à notre aise », chantée par Alexandrine Gaillard, dite Tante Sandrine – voir la notice complète ici

Souvent, si l’amour est malheureux, c’est une question d’argent. Tante Sandrine introduit ici un thème récurrent de ce type de chansons : le trousseau de mariage. Pour pouvoir épouser son Blaise, la prétendante doit amener au ménage « six pair’ de bas, trois ch’mis’ en fil, quatre en coton, quatorz’ mouchoirs, un jupon blanc, d’la fleur’ d’orang’ ». De nombreuses chansons sur ce thème chantent avec humour la distance sociale, la dureté des stratégies matrimoniales et les arrangements matériels et financiers entre familles.

« La triste noce », par Marcelle Sage – voir la notice complète ici

Si la jeune fille de la chanson précédente a réussi  à rassembler son trousseau, et épouser son Blaise, les répertoires populaires sont également remplis de « tristes noces », telles que celles chantées par Marcel Sage au micro de Charles Joisten en 1976. Dans cette chanson, les amoureux ne viennent pas du même milieu, et les parents ne veulent pas marier leur fille à un pauvre homme et inversement. La femme que l’homme épouse dans cette chanson est certes moins belle, mais plus riche…

Ces ritournelles comprennent rarement un refrain et s’articulent surtout autour d’une histoire, à l’aide d’une mélodie simple et répétitive. Elles se ressemblent d’ailleurs beaucoup au fil des chansons, d’abord ascendantes, les mélodies ornementent, puis elles redescendent à la fin de la phrase. En ce qui concerne la structure narrative, les paroles prennent souvent la forme d’un dialogue entre deux amants, deux amoureux ou deux prétendants. Les parents, et notamment les pères, font souvent parti de l’histoire, jouant un rôle décisif dans le choix du mari. Mais parfois ce ne sont pas les pères qui sont durs, mais les femmes…

« Le mal marié », chanté par Marcelle Sage – voir la notice complète ici

Si la noce advient, c’est parfois la vie conjugale qui est malheureuse. Ici, le thème du mari brimé par sa femme (que l’on retrouve sous une autre forme avec le thème de « La femme qui boit ») livre tout son potentiel comique. Triste fin pour ce marié qui s’étouffe avec les os que sa femme lui donne à manger.

« Amant, amant que vous m’ennuyez », par Alexandrine Gaillard, dite tante Sandrine – voir la notice complète ici

Enfin, dans ce dernier extrait chanté par tante Sandrine, c’est l’amant qui, bagarreur, provoque la dispute… On note dans toutes ces chansons un fort ancrage dans une société traditionnelle et rurale. Les références à la religion catholique (le curé, les noces, le dimanche, l’église) ou au travaux agricoles se retrouvent ainsi dans la plupart de ces chansons. Cependant ces mélodies et ces textes parlent à toutes les générations car malgré un paysage différent, le fond – l’amour – est toujours présent et les problématiques liées à celui-ci sont et resteront sans doute toujours d’actualité.

Lila Jeunet

 Pour aller plus loin…

Crédits photos :  Ministère des solidarités et de la santé

« Voilà les boches » : mémoire d’une réfugiée de la Grande Guerre

Cette semaine, nous nous arrêtons une nouvelle fois sur le fonds des Amis du Vieux Saint-Étienne, en ligne sur le Portail rhônalpin du patrimoine oral. Cette petite collection, composée de 6 enquêtes menées au début des années 1990 par Anne-Catherine Marin, alors conservatrice aux Archives municipales de Saint-Étienne, renseigne des pans très divers de la mémoire stéphanoise : la mode, les marchés, l’histoire minière ou encore la seconde Guerre mondiale. Aujourd’hui, l’archive de la semaine fait entendre un témoignage précieux sur la grande Guerre, celui de Marie-Thérèse Ponsard, réfugiée à Montbrison en 1914.

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Marie-Thérèse Ponsard est née à Verdun en 1907. Lorsque Anne-Catherine Marin recueille son témoignage, elle est âgée de 86 ans et se remémore les premières années de la guerre de 14-18, près de 80 ans plus tôt. Forcément, la chronologie est parfois un peu confuse et le déroulé des évènements hasardeux, mais Marie-Thérèse Ponsard livre avec humour plusieurs souvenirs forts de son histoire familiale pendant la guerre.

Au déclenchement de la guerre, la famille de Mme Ponsard réside à Warcq dans les Ardennes, à quelques kilomètres de la frontière belge. Quand, à la fin de l’été 1914, les troupes allemandes envahissent la Belgique et le Nord de la France, Marie-Thérèse Ponsard, sa mère et ses 12 sœurs se mêlent au flot de réfugiés belges et français qui fuient les zones de combat et se dirigent vers le Sud et le centre du pays.

Souvenir de son voyage des Ardennes à Montbrison, en 1914, par Marie-Thérèse Ponsard – voir la notice complète ici

Elle et sa famille embarquent ainsi dans un train en direction de Montbrison, probablement affrété par l’autorité militaire. Mme Ponsard livre des souvenirs très précis de son voyage en train, aux côtés de nombreux autres réfugiés : « Y en avait un plein train ! » Cet épisode marquant a laissé des traces encore vives dans la mémoire de Marie-Thérèse Ponsard, qui ressurgissent au fil de l’entretien :  le plat de lentille qu’on lui avait servi dans le train, le manteau qu’on lui avait donné (« On est partis tout nus !  Tout nus !« ) ou encore la visite d’une infirmière. Autant de souvenirs d’enfance qui nous renseignent, plus d’un siècle plus tard, sur les tentatives de gestion par l’État de l’urgence humanitaire.

À Montbrison, se souvient Mme Ponsard, des femmes attendaient l’arrivée du train sur le quai de la gare. Ces montbrisonnaises se proposaient en effet pour accueillir des réfugiés chez eux, moyennant une allocation délivrée par la municipalité.

Le Montbrisonnais, 16 septembre 1914

Marie-Thérèse Ponsard garde un mauvais souvenir de sa prise en charge par sa famille d’accueil : âgée de seulement 7 ans, elle est alors séparée de sa mère et de ses sœurs.

Elle se souvient également de l’accueil hostile qui fut réservé aux réfugiés à la descente du train.

Souvenir de son arrivée à Montbrison, en 1914, par Marie-Thérèse Ponsard – voir la notice complète ici

Lorsqu’on lui demande pourquoi sa famille avait choisi de se réfugier à Montbrison, Mme Ponsard répond :

« On nous y a amené, Madame ! On nous a pas demandé si on voulait! […] Et savez-vous les premiers mots qu’on a entendu? Voilà les boches ! »

Son témoignage fait écho à l’histoire plus large de l’accueil des populations déplacées pendant la première Guerre mondiale. L’historien Philippe Nivet a travaillé sur les mouvements de population pendant la grande Guerre, et s’est penché sur la formule qui se forge alors dans les départements de l’intérieur pour désigner ceux qui ont fui les combats : les « boches du Nord ». Il identifie plusieurs éléments expliquant la méfiance, voire l’hostilité vis à vis des Français du Nord et de l’Est cherchant refuge, ainsi que leur assimilation à l’ennemi.

D’abord, les réfugiés, bien que Français, sont souvent perçus comme des étrangers : la distance linguistique et culturelle qui peut séparer les populations accueillantes de celles accueillies, conduit parfois à les considérer comme des « étrangers français », d’autant plus lorsqu’ils portent des noms à consonance germanique. À cela s’ajoute un soupçon de compromission, voire de trahison, notamment à l’encontre des femmes soupçonnées d’avoir eu des relations sexuelles avec  des Allemands. Enfin, tout une panoplie de reproches moraux se déploie à l’encontre des réfugiés Français : lâcheté pour avoir fuit devant l’ennemi ; oisiveté pour ne pas travailler et se contenter des secours publics ; déviance enfin avec la mise en exergue de comportements incivils ou délinquants attribués aux populations déplacées.

« Déjà traumatisés par ce qu’ils ont subi avant leur arrivée, les réfugiés se heurtent donc souvent dans les départements de l’intérieur à des situations de nouveau traumatogènes :  la perte des biens et la séparation d’avec leur famille, un logement souvent misérable, une froideur, voire une hostilité des populations du lieu de refuge, une suspicion constante. »

Un  constat qui, plus d’un siècle plus tard, résonne étrangement avec une réalité très contemporaine.

Pour aller plus loin :

Crédits photos : BnF – Gallica – Agence Meurice

Faire sien le répertoire : rencontre avec Joseph Pariaud

L’archive de la semaine retourne dans le fonds Musiques migrantes de Villeurbanne, mis en ligne sur le portail rhônalpin du patrimoine oral et invite à (ré)écouter l’entretien réalisé en 2016 avec Joseph Pariaud, musicien villeurbannais spécialiste des répertoires traditionnels d’Amérique du Sud. Il nous racontait alors comment les musiques d’Amérique du Sud avaient pris place dans sa vie de musicien, et de quelle manière il avait fait sien ce répertoire.

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Au début de l’année 2016, le CMTRA prépare une  nouvelle escale sonore au Rize, soirée mettant à l’honneur les transfuges et les adoptions musicales, les trajectoires sonores et personnelles,  transnationales et ultramarines : en somme les musiques de cœur et d’adoption. Dans ce cadre, Laura Jouve-Villard rencontre pour le CMTRA Joseph Pariaud, musicien et professeur à l’École Nationale de Musique de Villeurbanne, en charge du cours de musiques sud-américaines. Avant de l’enseigner, Joseph Pariaud a du faire sienne cette musique, et il livrait alors son parcours musical, de la chanson française au folklore argentin.

Son parcours de musicien s’inscrit dans une histoire familiale singulière : alors qu’il n’a que 13 ans, le père de Joseph, professeur à l’ENM, lui présente Jean-Michel Cayre, qui dirige alors la classe atelier Musiques des Andes. Cette rencontre, avec la personne et le répertoire, est déterminante. Il intègre rapidement l’atelier de Jean-Michel Cayre et se passionne pour les musiques andines et le folklore argentin en particulier.

Quelques années plus tard, à 18 ans, Joseph fait un premier voyage en Argentine. C’est l’occasion d’une première confrontation de sa culture musicale avec la réalité de la pratique à la fin des années 2000. Il est frappé, nous dit-il, par l’écart entre le répertoire qu’il a appris en France, principalement produit par des musiciens des années 1950 à 1970, et la modernité des formations qui occupent alors le devant de la scène en Argentine.

Tout déroutant qu’il soit, le voyage reste un acte fondateur du rapport de Joseph aux musiques d’Amérique du Sud. Bien qu’il refuse d’y voir une condition sine qua none de la pratique d’une musique venue d’ailleurs, Joseph Pariaud souligne dans son cas l’importance symbolique du voyage en tant que « pèlerinage » : pour lui, ses voyages en Argentine sont aussi un moyen de dire « j’y suis allé » . Mais surtout, le voyage est avant tout une manière d’incarner un répertoire.

Témoignage de Joseph Pariaud sur le répertoire – voir la notice complète ici

Pour le musicien du XXIe siècle, nous dit Joseph Pariaud, l’enjeu du voyage n’est pas tellement de collecter un répertoire qui ne serait transmissible qu’oralement. De fait, de nombreux enregistrements sont accessibles à distance, grâce à Internet. En revanche, ce sont les voyages et les rencontres dont ils sont émaillés qui donnent du sens au répertoire. Au micro de Laura Jouve-Villard, il livre une anecdote qui illustre l’importance de l’incarnation du répertoire dans son propre récit. Au terme d’une série de rencontres plus ou moins fortuites, il fait la rencontre du Mago Piuman, magicien de formation, qui avait accueilli son maître quelque 20 ans plus tôt. Il passe alors une semaine chez l’homme, à copier une partie de sa collection de vinyles de folklore argentin sur des cassettes. À son retour en France, il chérira ces cassettes, les écoutera en boucle, « des milliards de fois« , jusqu’à les connaître par cœur… avant de se rendre compte que la plupart de ces enregistrements sont disponibles sur Internet.

« Ça a pris […] une valeur inestimable… Alors que j’ai exactement la même chose en mp3 sur mon ordinateur… mais ça n’a aucun sens. Je ne les écouterai pas. Ou peut être un jour par hasard quand quelqu’un va me dire « t’as jamais écouté ça? » […] Et là je vais m’y intéresser, mais ce sera uniquement par le biais de la rencontre « 

Le but du voyage n’est donc pas tant de découvrir un répertoire accessible par ailleurs, mais de lui donner sens en l’inscrivant dans son propre récit personnel, de l’incarner dans son histoire.

Donner du sens au répertoire, et donc à sa pratique, est également passé pour Joseph Pariaud par l’apprentissage de la langue.

Extraits de chansons apprises phonétiquement par Joseph Pariaud- voir la notice complète ici

Adolescent lors de sa rencontre avec Jean-Michel Cayre et du folklore argentin, son apprentissage du répertoire et de l’espagnol sont concomitants. Dans un premier temps, il apprend donc les chansons phonétiquement, tentant de reproduire au mieux ce qu’il entend. Le texte des  premières chansons qu’il apprend ne font pas tout de suite sens pour lui, et ce n’est que bien des années plus tard qu’il allait les comprendre. Se lisent dans l’itinéraire musical de Joseph Pariaud la diversité des niveaux d’appropriation de la musique. À l’émotion esthétique originelle, qui suscite une plongée immédiate et passionnée dans une culture étrangère, succède un processus d’analyse, de compréhension, d’apprivoisement de la complexité et de la richesse de cette musique.

Bien plus qu’une découverte donc, mais une véritable adoption au sens du dictionnaire : « choisir quelque chose pour le faire sien, s’y rallier, y conformer sa vie » .

Pour aller plus loin :

Crédits photos : Still life with a guitar, Juan Gris – Metropolitan Museum of Art